SYNOPSIS : La banlieue industrielle de Téhéran, les collines désertiques des environs. Un homme en Range Rover demande successivement l’aide de plusieurs personnes pour mener à bien son projet de suicide.
Il occupe une place de choix dans la filmographie de Kiarostami et dans le cinéma iranien. Le Goût de la cerise est devenu le tout premier film iranien à remporter une Palme d’Or. L’histoire est assez simple : un homme voyage avec sa voiture à la recherche d’une personne généreuse qui, en échange d’une énorme somme d’argent, effectue pour lui un travail d’une durée initialement indéterminée. Le personnage principal, Badii, un homme seul et déprimé, conduit et erre dans les montagnes poussiéreuses. Par conséquent, la plupart des scènes se déroulent à l’intérieur de sa voiture et la plupart d’entre elles sont des dialogues. Le déroulement de l’histoire est progressivement lent à révéler les véritables motivations du personnage principal. Les dialogues du tout début semblent hors des motifs du personnage car ils n’expliquent pas initialement le scénario principal du film. Ainsi, du point de vue de l’histoire, le film semble ennuyeux dès le départ, mais ce n’est pas le cas.
C’est là qu’Abbas Kiarostami fait un excellent travail avec sa grande acuité formelle et intellectuelle en évitant les éléments superflus de sorte que chaque minute de ce triste voyage tend à peser à la fois sur le public et sur le protagoniste troublé. Il maintient donc cette prémisse minimale grâce à une gestion exquise de l’espace et du temps. Enfin, embellis avec deux fins, la première, purement narrative et ouverte à toutes les possibilités, et la seconde, qui brise le quatrième mur et combine harmonieusement réalité et mise en scène. C’est un hymne à la liberté de choix, y compris la mort.
Le réalisateur aborde un sujet sensible d’une manière réfléchie afin qu’il puisse être traité théologiquement de différents points de vue. Basé sur le néoréalisme italien, il sert d’explication au goût qui est l’essence même de la vie ; mais lorsque la vie n’a plus de valeur pour une personne, tout ce qu’elle veut, c’est atteindre la paix. Bien que l’histoire soit présentée comme excessivement simpliste, chacune des interactions et des confrontations entre les personnages repose sur des bases solides qui font du spectateur un observateur actif.
La chose la plus réussie dans tout le film est la réaction des différents personnages, tous sont convaincants et crédibles, y compris l’incertitude et les doutes du protagoniste, il devient inévitable de se mettre à leur place et de développer le développement et l’aboutissement d’un voyage contemplatif et existentialiste. Non pas que Kiarostami ait l’intention de nous donner une leçon ; le film est d’une opacité captivante, il refuse de donner des réponses sur le sort de M. Badii (interprété par Homayoun Ershadi) ou d’assigner une moralité concrète à ses actions. (Le fait que le seul personnage prêt à aider Badii à se suicider – le vieux M. Bagheri – soit aussi le plus encourageant des trois hommes à qui Badii demande de l’aider dans sa tâche en dit long sur le potentiel subjectif du film). Au lieu de cela, Kiarostami propose des options : nous pouvons supposer le pire à propos de M. Badii, que son désir de mort découle d’une situation si odieuse que continuer à vivre n’est tout simplement pas une option.
Nous pouvons éprouver de la sympathie, penser que Badii a subi une perte insurmontable, qu’il est en proie à un tel chagrin que le néant est la seule alternative acceptable. Ou nous pouvons suivre le conseil de M. Bagheri, selon lequel rien ne peut être si mauvais que la mort soit la seule réponse. “Le monde n’est pas tel que vous le voyez”, dit M. Bagheri à Badii. Bien sûr, la mort est une solution, mais pas dans un premier temps, Et, bien que l’on veuille croire M. Bagheri, que l’on veuille trouver du réconfort dans la positivité de ce vieux taxidermiste, sa sagacité a un prix, au sens propre comme au sens figuré ; il peut essayer de convaincre Badii de vivre, mais il est toujours prêt à se rendre complice d’un suicide en échange d’une grosse somme d’argent dont il a besoin pour son enfant malade. Kiarostami laisse la lecture entre les mains du spectateur ; notre interprétation fait autant partie de l’histoire que la journée de Badii en voiture dans les faubourgs de Téhéran.
Une lutte existentielle aussi vieille que la littérature elle-même, de la vie et de la mort, de la recherche de la vie dans la mort. Kiarostami a beau nous présenter des images de modernité – une ville animée, des équipements industriels rugissant dans une cimenterie, une Range Rover poussiéreuse et coûteuse – Le goût de la cerise se présente comme une parabole classique, transcendant le temps et le lieu, l’histoire simple de M. Badii, un homme qui veut mourir, et des trois étrangers qu’il enrôle pour l’aider à réaliser son plan.
Pourtant, aussi sinistre que puisse paraître cette allégorie, Kiarostami refuse de se complaire dans la misère d’un tel conflit, s’abstenant d’encadrer la crise de Badii dans une morosité nihiliste. Le Goût de la cerise penche plutôt du côté de l’optimisme, ou du moins d’un pragmatisme sec et quelque peu optimiste, offrant juste assez de réconfort dans la bonté intrinsèque de l’homme pour offrir de l’espoir face au fatalisme ambigu de M. Badii.
Le film ne devient jamais oppressant, même avec tous ces thèmes lourds qui demandent à être examinés. Kiarostami maintient une légère mais nécessaire espièglerie par moments, tissant dans le récit l’appréciation de l’absurdité d’un maître conteur. Prenez la réaction du soldat à la demande de Badii : voilà un homme entraîné à se battre, à tuer, et pourtant, lorsqu’on lui demande d’accomplir un dernier acte pour un homme qui veut se suicider, un acte qui n’exige aucune violence, aucun sang, et qui n’est peut-être même pas nécessaire, ce jeune garçon de ferme saute de la voiture de Badii et s’enfuit à travers les collines, effrayé jusqu’à la moelle. C’est une réaction compréhensible, bien sûr – le gamin a été conduit au milieu de nulle part par un étranger qui lui demande de jouer le rôle de croque-mort potentiel pour un tas d’argent – mais la réaction du soldat (une pure terreur confuse) semble mystifier même le placide et inébranlable de M. Badii.
Le film a notamment une réalisation marquante du postmodernisme dont l’idée principale est que le sens de la vie est le sens que nous lui attribuons, et non quelque chose qui existe réellement. Kiarostami saisit la vie avec autant de force parce qu’il n’explique pas tout. Les mystères restent des mystères, et rien ne peut nécessairement être déduit des magnifiques plans de terre tombant d’une colline ou d’un coucher de soleil alors que M. Badii se précipite pour dire quelque chose à M. Bagheri – quelque chose qui, dans un film ordinaire, révélerait une sorte de grand rebondissement ou de changement d’avis, mais qui représente ici un simple échange dont le seul sens est littéral. Chaque argument que M. Badii rencontre en faveur de la préservation de sa vie semble lui ôter tout sens, car les citoyens dans sa voiture décrivent la vie en des termes si subjectifs que l'”optimisme” semble de plus en plus impossible. Il n’y a rien à faire pour convaincre quelqu’un que la vie vaut la peine d’être vécue. Il faut que quelque chose change en eux comme par magie. Cela ne dépend vraiment de personne d’autre que de la personne qui envisage de se suicider.
Kiarostami utilise également les vitres de manière incroyablement efficace. Car quelle est la chose littérale qui nous sépare, nous spectateurs, de M. Badii ? Un écran. Tout comme les fenêtres lui permettent d’être vu par les autres, mais pas complètement entendu ou compris. Même lorsqu’il est dans la voiture avec les gens qu’il ramasse, les deux passagers sont séparés par deux plans distincts, comme s’il y avait une vitre ou un écran surnaturel entre eux. Poussée à ses limites les plus extrêmes – celles de la vie et de la mort – l’empathie est impossible. Tous les films qui ont existé exigent l’attention du public en lui donnant des métaphores à savourer, un sens à trouver dans le chaos, ou le silence, ou la beauté, ou des plans uniques, ou un sound design unique. Ce film fait tout ce qui est en son pouvoir pour vous dire qu’il n’a rien d’extraordinaire. Mais ce faisant, il met à nu l’essence de la vie, c’est-à-dire l’existence sans signification.
Aussi, je ne rendrais pas service à Kiarostami si je ne mentionnais pas au moins la magnifique cinématographie. C’est intéressant parce que je fais l’éloge de l’aspect du film en utilisant un terme cinématographique, alors que je devrais probablement dire “l’absence de”. Chaque plan de Taste of Cherry est un plan d’extérieur, et je suppose que très peu de choses ont été faites pour modifier la composition de l’éclairage. La palette luxuriante du film est probablement due à une programmation parfaite et à une connaissance approfondie de la position du soleil dans le ciel. La lumière directe du soleil, qui peut sembler très abrasive dans d’autres films, fonctionne en tandem avec le scénario de Kiarostami pour créer une apparence d’un autre monde. Les oranges et les jaunes sont les plus proéminents, soulignant le caractère stérile des terres en friche dans le film, contrastant avec les riches rouges et bruns qui se reflètent sur la peau de Badii.
Je dirais que le film est aussi indifférent que la vie elle-même, ni optimiste ni pessimiste. Il s’agit simplement du portrait d’un cinéaste qui tente de se rapprocher le plus possible de la vie telle qu’elle est réellement, et non de la vie de son propre point de vue. En somme, une œuvre brillante et émouvante qui remet en question tout ce que nous avons toujours su sur les films. Tout cela pour ne rien prouver en particulier – pour ne dépeindre personne en particulier. Le vaste stoïcisme de l’univers que l’on ne peut qualifier catégoriquement que de “fiction”.
La Note
9,5/10
